Los Mejores Libros escritos por Grandes Cineastas
Hemos estudiado a los grandes maestros de la literatura universal, nuestros Premios Nobel o adaptaciones que parecían imposibles pero acabaron viendo la luz en el celuloide. Hoy, toca darle la vuelta a la moneda y mirar su otra cara, ¿qué pasa cuándo grandes directores de cine se pone a escribir? Seguimos celebrando el día del libro, sí, pero a nuestra particular y cinéfila manera.
1. The Friedkin Connection de William Friedkin
Sus primeras cuatro películas resultaron un fracaso tras otro. Las dos siguientes (French Connection y El Exorcista), dos hitos del cine. Su alto temperamento y dudosa reputación le volvieron a desviar del buen camino pese a obsequiarnos con grandes y truculentas historias a la largo de dos décadas. "Vivir y Morir en Los Ángeles", "A la Caza", pero también sonados fracasos, hasta volver por la puerta grande de la mano de Tracy Letts y Matthew McConagheycon la salvaje y sádica "Killer Joe". The Friedkin Connection resulta admirable por su candidez, tanto hacia su lado oscuro, como hacia su cara amable. Un extravagante memoria que trata de ajustar cuentas tanto como hacer las paces.
2. El Cine según Hitchcock de François Truffaut
Recientemente adaptado en un gran documental sobre la relación entre los dos cineastas, el libro es uno de los grandes referentes literarios del cine. Resultado de una larga conversación de cincuenta horas preparada sobre un cuestionario de quinientas preguntas, "El cine según Hitchcock" -aclaraba François Truffaut- es «un libro del que no me considero autor, sino tan sólo iniciador o, mejor aún, provocador». A lo largo de sus páginas, las circunstancias que rodearon el nacimiento de cada film, la elaboración de los guiones, los problemas de la puesta en escena y la valoración del resultado comercial de las películas nutren el apasionante diálogo que sostienen en él ambos realizadores.
3. Who the Devil Made It y Who the Hell’s In It de Peter Bogdanovich
En la primera, Peter Bogdanovich entrevista a 16 directores legendarios a lo largo de 15 años. Sus enriquecedoras e iluminadas conversaciones se traducen en una fascinante crónica sobre Hollywood y el rodaje de películas. En la segunda, hace lo propio con los grandes actores. De Hitchcock, Howard Hawks, Fritz Lang, Sidney Lumet, Don Siegel, George Cukor y compañía a Marlon Brando, Cary Grant, Audrey Hepburn, James Stewart o John Wayne. Esto si es Hollywood amigos.
4. Spike Lee’s Gotta Have It de Spike Lee
A pesar de que tenemos en Spike Lee a uno de los directores más prolíficos y dicharacheros (¿bocazas?) de las dos últimas décadas en Estados Unidos, sus comienzos a principios de los 80' fueron como podría serlo hoy para cualquiera de nosostros. No era más que otro neoyorkino con trabajo indefinido (en el peor de los sentidos) y con un graduado escolar que no le servía para nada. Por suerte, tuvo la genial idea de escribir un diario del que jamás se despegó. Un libreto que se ha traducido a novela y que nos revela como escribió, financió, dirigió, editó y logró vender su primera película. Filmada en 16mm y solo con actores de color, "She's Gotta Have It" resultó ser un brillante debut que profundizaba con irreverente sorna en el machismo, la monogamia, los parámetros morales o la necesidad de liberación mental y sexual. Spike Lee’s Gotta Have It es la mejor prueba de ello.
5. Rebel Without a Crew de Robert Rodríguez
Nadie explotó en el mapa cinemático con más fuerza que Robert Rodriguez. ¿Cómo se las ingenió un amateur de Texas - con tan solo una cámara, sin un equipo, y un presupuesto mayormente recaudado sometiéndose a experimentos medicos - para completar una pelicula por $7000 y lograr la ovación y el galardón de los mas grandes mogules de Hollywood? A su ingeniosa y directa manera, el director de "Sin City" revela todas las estrategias únicas y tecnicas innovadoras que uso para rodar uno de los grandes iconos del cine contemporáneo con un presupuesto ínfimo.
6. Así se hacen las Películas de Sidney Lumet
El cálido espíritu de Lumet y su amor por el cine brillan en este libro fresco, ágil, de fácil lectura, pero igualmente esencial. Las anécdotas sobre Paul Newman, Al Pacino o Katherine Hepburn, simplemente inolvidables.
"No hay una forma correcta y otra equivocada de dirigir una película. Aquí escribo sobre cómo trabajo yo. Atentos, estudiantes; tomad lo que queráis y desechad el resto; o bien, desechadlo todo. [...] De verdad, sí sabemos lo que hacemos: sólo parece que no lo sabemos. [...] Intentaré explicaros lo mejor que pueda cómo se hacen las películas. Es a la vez una técnica compleja y un proceso emocional. Es arte. Es negocio. Te rompe el corazón y es divertido. Es una forma genial de ganarte la vida".
7. Getting Away with It de Steven Soderbergh
Lo sabemos, Steven Soderbergh y Richard Lester pertenecen a diferentes generaciones. El"Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo" de Soderbergh significó la semilla de un nuevo cine independiente americano allá por los 90' mientras el desbocado trabajo de Lester entre los 60' y 70' (Help!, ¡Qué noche la de aquel día!, El Nack y cómo lograrlo, Cómo gané la guerra , Petulia) provocaba una nueva ola, una particular revolución en el seno del cine británico. Getting Away with It es el diario de Soderbergh, de como redescubre su amor por el cine a través de dos de sus películas menos conocidas ("Gray’s Anatomy" y "Schizopolis"). El libro también presenta sus particulares conversaciones al estilo Hitchcock / Truffaut con uno de sus grandes ídolos: precisamente Richard Lester.
8. Bambi vs. Godzilla de David Mamet
Para quien lo no conozca, David Mamet es uno de los dramaturgos más respetados de la Norteamérica actual, guionista dos veces nominado al Oscar ("Veredicto final", "Cortina de humo"), autor teatral ganador del Premio Pullitzer y director de joyas del cine independiente como "Casa de juegos" o "Las cosas cambian". Pues bien, en "Bambi vs. Godzilla" Mamet examina de principio a fin el proceso de realización de una película en la llamada ‘Meca del Cine’, no sin dejar de poner en evidencia su absurdo:
“La norma en la industria del cine. Mientras la estrella sale con retraso de la caravana, mientras el productor grita groserías por el móvil a su ayudante por culpa, probablemente, de un error en la reserva de un restaurante, la gente del plató está poniendo todo su empeño en rodar una película perfecta”.
"El jóven burócrata en entrenamiento tiene la habilidad de aprender que el éxito no proviene de satisfacer a la audiencia, sino de aplacar a sus superiores hasta que se cumple un tiempo razonable para traicionarlos".
"Sí. Tú eres parte de un país, de un sistema capaz de gastar doscientos millones de dólares en una hora y media de basura. Ergo, tú debes ser alguien".
9. Without Feathers de Woody Allen
Woody Allen fue humorista antes que director de cine. De hecho, prosiguió escribiendo textos hilarantes y rarunos para prestigiosas publicaciones como The New Yorker antes de convertirse en una venerada insitución americana. Su originaria prosa nos rescata la mejor versión del director de "Annie Hall". Withou Feathers resulta profundamente bizarro y descaradamente divertido.
10. A Wilderness of Error de Errol Morris
El director de "The Thin Blue Line" o "Tabloid" luchó durante años por lograr financiación para un documental sobre el juicio y la injusticia cometida según él, sobre Jeffrey McDonald, el médico militar condenado por asesinar a su familia. Al no lograr el dinero necesario, el cineasta (que hoy día tiene su propia columna en el New York Times y también publicó un libro sobre fotografía) decidió trasladarlo a una novela. El resultado es asombrosamente efectivo, brutalmente tajante y curiosamente persuasivo. Errol morris demuestra ser tan buen periodista de investigación como director de cine.
11. Esculpir el tiempo de Andrei Tarkovski
Lo que tenía Tarkovski en la cabeza posiblemente habría dado para más de un libro, pero finalmente se cristalizó en "Esculpir el tiempo", uno de los textos más lúcidos e inspirados sobre el lenguaje cinematográfico, y sobretodo en el proceso de edición, una de las herramientas que más definen al séptimo arte. "El factor más poderoso y dominante de la imagen fílmica es el ritmo, que expresa el curso del tiempo en el marco cinematográfico". Caracterizado por la densidad de sus películas y lo extenso de sus tomas, Tarkovski no creía en el montaje rápido, ya que creía que iba en contra de la propia naturaleza del cine.
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